Une centaine d'expositions individuelles dans le monde entier, tel est le bagage de l'artiste Volodia Popov-Massiaguine à son cinquantième anniversaire. Et puis, au lieu de se reposer sur ses lauriers, une nouvelle période créative inattendue a commencé dans sa vie diversifiée.
- Récemment, vous avez réalisé une commande dont tout artiste peut rêver : une invitation en Chine et une liberté de création totale pour 250 tableaux. Comment êtes-vous passé de Paris à la Chine tout d'un coup ?
P-M Je ne suis pas arrivé là par hasard, car en 2011-2012, j'ai eu toute une série d'expositions dans les musées russes, programmées pour coïncider avec mon cinquantième anniversaire. Et l'un d'eux était justement sur Sakhaline. C'est là qu'un homme d'affaires chinois a été attiré par mes peintures, il a ensuite organisé mon séjour et mon travail à long terme en Chine.
Il faut dire que le marché de l'art chinois prend de l'ampleur si rapidement que de nombreux artistes russes d'Extrême-Orient et de Sibérie travaillent déjà pour lui. Des quartiers entiers de "villes d'art" avec des écoles de musique, des galeries et des musées sont construits partout en Chine, de sorte que le recueil des collections est incroyablement actif.
- Nous avons compris le chemin de Sakhaline à la Chine, mais il fallait aussi aller à Sakhaline.
P-M À Magadan vit un artiste remarquable, Konstantin Kuzminykh, secrétaire exécutif de l'Union des artistes de Russie pour l'Extrême-Orient, mon ami, et lorsque mes expositions personnelles ont eu lieu dans les musées d'art de Tambov, Khanty-Mansiysk et Riazan, il a suggéré de continuer à faire voyager ces images à travers la Russie et de montrer mon exposition dans les musées de Khabarovsk et Sakhaline.
Après cela, la communication avec les Chinois est devenue si active qu'ils m'ont demandé d'amener mes amis, des artistes de Saint-Pétersbourg, en Chine également. Il y a d'abord eu une grande exposition d'artistes russes au musée de la ville de Dalian, puis des expositions à Shanghai, Hangzhou, Harbin aussi…
La Chine rattrape aujourd'hui activement l'Europe en matière de politique culturelle et est donc ouverte à la coopération, en essayant de ne pas passer à côté des éléments les plus prometteurs. J'ai personnellement reçu une commande d'une galerie privée chinoise, qui a immédiatement acheté mes œuvres et a ensuite assuré elle-même la promotion des peintures sur le marché de l'art chinois.
C'était aussi le mode de fonctionnement des galeristes en France, mais aujourd'hui, le principal marché des objets d'art se déplace de l'Europe vers l'Asie. Ils ont donc maintenant les mêmes tendances qu’ici dans les années 80 et 90.
- Pour l'artiste, la tendance chinoise actuelle est bien préférable à la tendance française, où les galeristes se contentent d'exposer mais n'achètent pas.
P-M. Oui, il y a de gros risques avec les galeristes, on ne sait pas si le travail va se vendre, et Paris s'est éloigné de ces méthodes précédentes. Mais tout le monde en Chine ne fait pas comme cela non plus. Quoi qu'il en soit, la Chine est un marché énorme, au nord et au sud il y a de bonnes ventes de peintures réalisées dans des styles variés, et j'ai eu de la chance avec ce galeriste.
- A vous écouter, tout se fait tout seul : les expositions personnelles, les invitations, les commandes. Et dans la réalité ? Où tout cela a-t-il commencé ?
P-M. Ma mère m'a encouragé à devenir un artiste. Je terminais la huitième année du lycée, j'allais à la Maison des Pionniers, à l'école d'art pour enfants, j'adorais dessiner. Et ma mère a insisté pour que je quitte une petite ville de province, Michurinsk, dans la région de Tambov, pour étudier dans une école d'art professionnelle. Donc, à 14 ans, je suis allé dans la région de Moscou pour recevoir une éducation à Abramtsevo. Cette école artistique et industrielle, créée au XIXe siècle par Vasily Polenov, offrait une très bonne formation spécialisée d'art appliqué.
Après y avoir étudié pendant quatre ans, j'ai eu la chance d'entrer et de poursuivre mes études. Notre groupe de trente personnes s'est vu attribuer trois places pour les meilleurs diplômés. J'ai eu de la chance, et tous les trois, avec nos amis, nous sommes allés à la célèbre MUHA - l'École supérieure d'art et d'industrie de Leningrad, aujourd'hui l'Académie d'art et d'industrie de Saint-Pétersbourg, qui porte le nom du baron Stieglitz. J'ai réussi tout de suite, mais pas mes compères, par contre ils ont ensuite réussi à devenir étudiants à l'école Stroganov à Moscou.
- Quel excellent niveau de formation était dispensé à Abramtsevo, qui a réussi à conquérir les universités créatives les plus célèbres du pays ! Mais l'Union soviétique offrait également la possibilité d'un "ascenseur social", en sélectionnant les meilleurs étudiants.
P-M. L'attitude envers la formation professionnelle en Union soviétique était au plus haut niveau. Sans compter que tout était gratuit. Juste fantastique ! En fait, c'était un cadeau de la vie, mais nous ne l'avons pas réalisé à ce moment-là. C'est grâce à cette excellente école de Saint-Pétersbourg que je me suis facilement intégré à la vie des expositions parisiennes.
- Les Chinois, qui ne vous sont déjà plus « étrangers » disent qu'un artiste ne peut vraiment s'établir qu'après cinquante ans. Étonnamment, il en est de même pour vous : vous avez commencé à travailler pour le marché chinois juste après votre cinquantième anniversaire. Et Paris, au contraire, aime les jeunes – tel que vous êtes arrivé ici.
P-M. Oui, les Chinois sont désireux de travailler et d'exposer des artistes honorés et nationaux de Russie. J'ai moi-même reçu récemment le titre d'académicien honoraire de l'Académie russe des arts à Moscou. Il existe même une Académie sino-russe des beaux-arts. Et d'une certaine manière, je me suis facilement intégrée dans le contexte artistique général, car à la base de la culture russe se superposait une culture européenne, ce qui a beaucoup plu aux organisateurs chinois.
Je serai toujours reconnaissant à la grande école d'art russe Mukhin qui a encouragé les étudiants à penser d'une manière particulière : de manière décorative, et non réaliste. Je suis monumentaliste de profession, et j'ai reçu une formation d'artiste capable de réaliser des peintures murales ou des mosaïques sur des murs immenses, tant à l'intérieur que sur les façades des bâtiments. Et cela nécessite une vision très particulière.
- Les peintures de votre période parisienne ressemblent subtilement à la fois au gothique européen et à l'art nouveau européen. C'est pour cela que vous avez été si rapidement aimé ici ?
P-M. Non, ma première exposition personnelle en France, qui a connu un grand succès, a eu lieu en 1994 dans une petite ville de province près de La Rochelle, et elle était composée presque exclusivement d'œuvres abstraites. À l'époque, je voulais m'exprimer d'une manière différente, oublier les modèles et les objets et essayer de montrer aux gens ce qui se passait en moi.
Tout cela s'est produit dans le sillage de la perestroïka au début des années 90. Pendant cinq ans après mes études, je me suis cherché dans l'abstraction, puis je me suis intéressé au lubok, et ce n'est qu'au début des années 2000, lorsque j'ai décidé de rester en France, que je suis finalement revenu à la peinture figurative.
Je n'avais jamais eu l'intention d'émigrer, mais je suis tombé amoureux, j'ai épousé une Française et je me suis retrouvé très demandé en tant qu'artiste en Europe. Mes expositions ont eu lieu non seulement en France, mais aussi en Espagne, en Hollande, en Allemagne, en Autriche…
- Comment la France est-elle entrée dans votre vie ?
P-M. C'est aussi tout à fait par hasard. J'ai eu l'occasion de partir en bus avec un groupe d'écoliers en France en 1993. La Russie s'était ouverte à l'Europe, et notre culture intéressait tout le monde ici. J'ai pris quelques toiles avec moi, et après – qui vivra verra ! Il faut compter sur la chance.
Nous ne sommes pas arrivés à Paris mais à Bressuire, une ville près de La Rochelle, qui est devenue plus tard la ville jumelle de Riazan, où j'ai vécu après avoir terminé mes études à Saint-Pétersbourg. Je n'avais pas du tout l'intention de rester, j'ai simplement décidé de parler de l'organisation éventuelle de futures expositions. Et en effet, est arrivé un Français qui a particulièrement apprécié mon travail et a montré mes tableaux à des collectionneurs. Très rapidement, tout a été vendu. Et déjà des amis français m'ont proposé d'organiser mon exposition personnelle l'année prochaine. À partir de ce moment-là, j'ai commencé à me rendre plus souvent en Europe pour mes expositions, d'autant plus que beaucoup de gens en Russie à cette époque n'avaient pas de temps pour l'art.
Et ce n'est qu'après de nombreuses expositions en Europe que Paris est arrivé. J'ai reçu un appel du célèbre galeriste parisien Olivier Dian, dont la galerie Artclub se trouve au cœur de Paris, rue de Rivoli, juste en face du Louvre. Il m'a invité à travailler avec lui et c'est ainsi qu'en 2002, j'ai eu ma première exposition personnelle à Paris.
- Succès en termes d'image ou de ventes ?
P-M. Les deux. Presque toutes les peintures ont été vendues, nous avons convenu d'une nouvelle exposition dans quelques années, et c'est ainsi que notre collaboration a commencé.
Ce succès parisien m'a beaucoup encouragé, mais je n'avais pas encore prévu de m'installer en France. C’est plus tard seulement que je me suis remarié, j'ai eu un enfant, et alors je suis devenu un Parisien.
- Votre seconde femme est la nièce de Marina Vlady. Comment vous êtes-vous rencontrés ? Au vernissage ?
P-M. Autre hasard, j'ai fait d’abord la connaissance de ses grands frères, deux jumeaux, et nous nous retrouvions toujours quand je venais à Paris. Un jour, Stéphane, apprenant que j'avais divorcé de ma première femme, m'a fait rencontrer sa sœur, Yuna. Les sentiments étaient réciproques, nous nous sommes mariés assez rapidement, une fille est née, puis nous avons vécu ensemble pendant vingt ans.
Je tiens à souligner que sa famille n'a influencé ma carrière d'aucune manière, il n'y a pas eu de préférences ou d'expositions spéciales. Bien sûr, j'ai toujours apprécié rencontrer et communiquer avec Marina Vlady de manière familiale. Elle était une idole pour moi, comme, d'ailleurs, pour beaucoup à cette époque. J'ai aimé écouter ses histoires sur Vysotsky, Shemyakin et Tarkovsky. Ces soirées inoubliables, où nous parlions de peinture, de théâtre et de cinéma. Marina est toujours énergique, charmante, pleine d'énergie et créative. Un exemple à admirer.
- À Paris, vous avez développé votre style particulier, si reconnaissable. Quelle en a été l'impulsion ?
P-M. Chaque artiste a sa propre perception, particulière et personnelle, et son expression plastique se forme progressivement, et non du jour au lendemain. J'ai également été influencée par mes études à Mukha et par mes époques préférées, l'art byzantin, la peinture d'icônes russes, la Renaissance européenne classique et le style Art nouveau.
Et mes sujets ont toujours été variés : natures mortes, portraits, images de femmes. Et les nus, qui ont tout de suite plu à la galeriste parisienne, je les ai beaucoup peints quand j'étais encore étudiant. Après toutes sortes de recherches stylistiques et thématiques, lors de ma première exposition personnelle, j'avais déjà trouvé et déterminé mon style personnel et reconnaissable. Lorsque le galeriste parisien m'a suggéré de continuer dans cette voie, cela m'a mis du baume au cœur ! J'ai travaillé pendant un an sur ma première exposition personnelle à Paris, où j'ai montré mes nouveaux travaux.
- Il s'avère donc que l'exposition devant le Louvre a également marqué le début d'une nouvelle étape dans votre travail ?
P-M. Je pense que oui, certainement. Après cette exposition, j'ai été activement invité dans d'autres galeries européennes. C'était une belle époque, je manquais de temps pour peindre pour toutes les expositions.
Aussi, dix ans plus tard, en Bretagne, où nous avons un petit chalet, j'ai commencé à peindre des paysages locaux. Depuis, je suis tombé amoureux de cette thématique. J'ai publié toute une série de paysages russes, français et chinois. Mes intérêts et mes sujets changent, mais les femmes m'inspirent toujours. Ils ont toujours été là depuis la naissance. Une source d'inspiration inépuisable. J'aime également travailler sur des commandes de portraits.
- Dans le contexte parisien actuel, c'est bien qu'il y ait encore des hommes qui idolâtrent les femmes. Comment choisissez-vous vos sujets ? Avez-vous déjà dû refuser une commission lucrative parce que vous n'en aviez pas envie ?
P-M. On m'a demandé plusieurs fois de faire des portraits dans le style de Modigliani ou de Klimt. Techniquement, ce n'est pas un problème pour moi, mais ma réponse a toujours été : "Je ne peindrai pas le style de quelqu'un d'autre, je peux faire dans le mien." Quand vous essayez de vous tromper vous-même, rien d'extraordinaire ne pourra en sortir. Si vous n'avez pas vécu la peinture de vous-même, si ce n’est pas de l’expression personnelle l'image sera léthargique. Alors que, si lorsque vous écrivez vous tombez amoureux du modèle, là seulement vous saurez en faire une icône.
Quand nous étions étudiants, nous avions souvent copié des icônes russes. On nous a enseigné non seulement sur la base de la peinture de la Renaissance européenne, mais aussi sur la base de l'école russe d'iconographie. Ses plastiques et ses techniques me sont très proches, et cela se reflète souvent dans mes peintures.
- Il y a en effet quelque chose d'iconique dans vos portraits de femmes.
P-M. C'est pourquoi je ne me considère pas seulement comme un artiste européen. L'élément russe est très fort et est toujours présent dans mon travail. Et en mélangeant différentes cultures et ma propre expérience de vie, j'obtiens quelque chose qui m'est propre, personnel.
- Les femmes de vos tableaux sont peintes avec tant d'amour que vous êtes clairement un adepte de l'éternel féminin. Décrivez votre idéal.
P-M. Il m'est plus facile de parler de l'état d'esprit d'un homme lorsqu'une femme aimée est présente. Tout d'abord, c'est le calme, l'équilibre, la compréhension mutuelle. C'est l'absence de sentiment de solitude dans ce monde. C'est le confort et l'amour domestique, et la détermination commune pour l'avenir. « Home » – votre aérodrome chéri, où l’on retourne toujours après ses vols.
Par ailleurs, votre mère est la première femme que vous connaissez qui représente l'amour et le dévouement. Quand vous êtes un enfant, vous idolâtrez votre mère. Et très souvent, ce sentiment dure toute une vie. Personnellement, je vois encore dans mes rêves ma mère et notre maison, où j'ai passé mon enfance. Le lien avec ma mère est éternel. D'ailleurs, c'est ma mère qui m'a encouragé à devenir un artiste, et elle m'a permis de quitter la maison à un jeune âge pour étudier. C'est donc grâce à sa persistance et à sa providence que je suis devenu un artiste.
C'est très touchant de se rappeler maintenant que, par la suite, je lui apportais de l'argent pour la soutenir, et qu'elle le cachait dans un bocal en verre qu'elle gardait sous le plancher. C'était le genre de "banque" qu'elle avait. Elle disait faire une collecte pour ses funérailles. Après sa mort, ma sœur et moi avons trouvé ce bocal intact, ma mère n’avait rien dépensé pour elle. J'étais stupéfait : les voilà les gens qui ont traversé la guerre.
Ma mère est née en 1921, elle s’est mariée avec mon père en mai 1941, et en septembre il est parti au front. Durant la deuxième année de la guerre, leur premier enfant est né. Malheureusement, mon frère n'a vécu que trois ans et est mort d’une maladie lorsqu’ils se trouvaient avec ma mère sur le territoire occupé. Mon père, qui n'est revenu, blessé, qu’en 1946, ne l'a jamais vu.
Après le retour de mon père du front, mes parents ont déménagé du village à la ville, construit une maison, établi leur vie, et finalement, après de nombreuses années d'attente, sont nés d’abord ma sœur, puis moi.
- Maintenant, vous portez le nom de famille non seulement de votre père mais aussi de votre mère. Quand avez-vous décidé de le faire ?
P-M. Jusqu'à l'âge de cinquante ans, j'ai toujours signé Popov – nom de famille de mon père, mais lorsque je devais me rendre en Russie dans des musées ou pour une série d'expositions anniversaires, il s'est avéré que de trop nombreux artistes portent le même nom et le même prénom que moi. Alors, j'ai décidé d'ajouter le nom de famille de naissance de ma mère.
Ce n'est pas moi qui l'ai inventé, c'est mon ancienne belle-mère, Olga, la sœur de Marina Vlady, qui me l'a suggéré. C'est elle qui a donné à Marina Poliakova le pseudonyme "Vlady", à partir du patronyme "Vladimirovna".
Mes parents venaient de la campagne de Tambov, où il y avait deux villages, Staroye Khmelevoye et Novoye Khmelevoye, non loin de Michurinsk. Ma mère était originaire de Staroye Khmelevoye, où le nom de famille « Masyagin » était très courant, et mon père était originaire de Novoye, où étaient courants surtout les « Popov ».
Ma mère m'a donné naissance tard - à l'âge de quarante ans, et elle est morte quand j'avais moi-même quarante ans. Ayant décidé d'ajouter son nom de famille en tant que pseudonyme créatif également, j'ai consulté un astrologue que je connaissais : comment un tel changement pouvait-il affecter mon destin créatif. Et il m'a encouragé, en disant que cette étape apportera une nouvelle ascension et une nouvelle gloire. Et je l'ai cru.
- Bon astrologue, tout s'est réalisé. Et le nom de famille convient très bien à la Chine.
P-M. Oui, ils m'appellent parfois non pas "Volodia" ou "Popov", mais plutôt "Massiaguine", ce qui est plus facile à dire en chinois.
- Votre vie professionnelle a commencé à Ryazan, où êtes-vous venu après avoir été alloué de Leningrad. Qu'avez-vous fait là-bas ?
P-M. Je me souviens de cette allocation avec le mot le plus gentil. Nous, les étudiants d'hier, avons immédiatement reçu des appartements et des studios, et nous avons commencé à travailler sur les projets les plus intéressants avec l'artiste en chef et l'architecte en chef de la ville. Nous avons fait beaucoup de mosaïques, de peintures murales sur les murs, de tableaux et de tapisseries.
Dans le hall du sanatorium pour enfants de la ville de Kiritsy, près de Riazan, j'ai réalisé avec un de mes amis, Volodya Kostarnov, un camarade de classe de l'académie, un immense tableau de 300 mètres carrés. Il s’y trouve encore, et je trouve qu'il a toujours autant de succès. Nous y avons peint des fantaisies basées sur les contes de fées d'Andersen, des frères Grimm, de Charles Perrault et de Lewis Carroll…
À l'époque, les commandes arrivaient sans cesse, il y avait toutes sortes d'expositions en permanence, mais avec l'effondrement de l'Union soviétique, tout s'est arrêté du jour au lendemain. Heureusement, l'Allemagne est soudainement apparue dans ma vie. En 1990, ayant gagné un concours, mon ami et moi avons réalisé une sculpture à Münster. Cela nous a donné un énorme élan créatif. Puis, en 1993, la France est arrivée. Peut-être que mon destin était régi par une sorte de logique supérieure et que je me suis involontairement retrouvé là, où je suis devenu un artiste très demandé.
- L'Union soviétique a également joué un rôle dans ce domaine, car elle avait accumulé un énorme bagage professionnel, ce qui lui permettait de changer facilement de style. Et tout s'est bien passé. N'avez-vous pas été persécuté par les commissions d'acceptation à l'époque soviétique ?
P-M. À Mukha, on nous a appris à rompre avec les canons de l'expressivité, et nous avons toujours essayé de refléter quelque chose de notre propre individualité. Parfois, cela devenait surréaliste, et nous devions défendre nos idées devant diverses commissions - municipales, régionales et devant l'Union des artistes, où, à cette époque, il y avait surtout des maîtres qui travaillaient dans l'esprit du réalisme socialiste. Mais nous, les jeunes, avons quand même réussi à promouvoir nos propres idées. Nous avons puisé dans notre patrimoine russe, dans les fresques des anciennes églises russes, qui fascinent encore nos contemporains. Nous avons essayé de créer des fresques de notre propre époque.
Puis sont arrivées les turbulentes années 90, au cours desquelles les artistes russes, comme tout le monde en Russie, ont connu des moments difficiles : pas de marchés publics, pas de commandes, et donc pas d'argent. Les galeries d'art n'existaient pas vraiment à l'époque, et les collectionneurs, s'ils existaient, étaient clandestins.
Les personnes exerçant des professions créatives ont vécu cette période de manière particulièrement douloureuse. Mais maintenant, quand je viens en Russie, je vois que les choses vont plutôt bien, et que la vie des expositions est extrêmement active. Je participe moi-même constamment à des expositions organisées en Russie : de la partie centrale à la Sibérie et à l'Extrême-Orient. Et, parfois, des expositions y sont organisées à plus grande échelle qu'à Moscou.
- Certains artistes retravaillent méthodiquement tous les coups de pinceau, tandis que d'autres aiment saisir l'inspiration et créer tout d'un coup ou presque. Quel est votre style de travail ?
P-M. Je suis le genre de personne qui met du temps à démarrer, mais qui va vite ensuite, je peux travailler 24 heures sur 24, comme quand j'étais étudiant. Et plus j'écris vite dans cet état, plus c'est intéressant et frais. Quand vous voyez déjà le travail fini à l'intérieur de vous, plus vite vous le faites, plus franchement vous déversez vos émotions, mieux c'est je trouve. Je n'ai pas le temps de torturer et de gâcher. J'admire les artistes chinois qui travaillent dans le style Gohua – d’un seul souffle. Virtuoses ! Ils sont fascinants à regarder. C'est la plus haute classe d'artisanat !
- Vous avez récemment eu un autre fils. L'avez-vous déjà peint ?
P-M. Je prépare actuellement une exposition pour mon soixantième anniversaire, qui coïncide justement avec la naissance de Daniil. Le thème principal de ma prochaine exposition sera très probablement la maternité et l'amour.
- En Chine, vous avez de nouveaux clients, à Riazan, vous avez une maison préférée avec un sauna, et à Paris, vous avez un appartement avec un atelier. Où vous sentez-vous le plus à l'aise ?
Avant l'ère du coronavirus, j'aimais beaucoup vivre dans trois pays. En Russie - des amis partout, une maison avec un sauna, pratiquement dans les bois, une église et un lac à proximité. Je venais souvent dans mon studio à Ryazan pour peindre des tableaux pour l'exposition suivante. Ici, c'est mon âme, mon coin de maison. J'aime aussi beaucoup l'Extrême-Orient et la Sibérie. Une nature fabuleuse et des gens incroyablement ouverts et hospitaliers. Je ne me considère pas comme un émigrant.
En Russie, on m'appelle "Français", mais en France, je suis un artiste russe. En Chine, tout dépend de l'endroit où se déroule mon exposition, si c'est dans le sud, alors pour eux je suis français, mais dans le nord ils préfèrent avoir affaire à des artistes russes.
La Chine m'a immédiatement séduit par son exotisme et m'a également donné l'occasion de travailler. Il y a toujours de merveilleuses conditions pour travailler : des toiles, des peintures, un studio lumineux... C'est comme être dans une datcha créative. J'ai également réussi à voyager en Chine même, c'est un pays tellement diversifié, après tout. L'ampleur et la rapidité des changements dans la vie du peuple chinois me stupéfient, tout se transforme sous mes yeux.
Bien sûr, j'ai aussi beaucoup de choses en commun avec la France. Une fois, j'ai voyagé avec des expositions dans toute l'Europe, j'ai parlé à différentes personnes et je me suis rendu compte que, pour moi, ce sont les Français, leur culture et leur attitude particulière face à la vie, qui me conviennent le mieux en termes de mentalité. Ils ne sont pas aussi soignés que les Allemands, et pas aussi bruyants que les Italiens. Je me sens bien en France.
J'aime beaucoup Paris, qui m'attire et me séduit toujours. Les artistes du monde entier considèrent Paris comme une Mecque de l'art. J'ai été très heureux de rencontrer, de communiquer et d'exposer avec de nombreux artistes russes vivant ici, tels que Mikhail Shemyakin, Oleg Tselekov, Oscar Rabine, Boris Zaborov, Anatoly Putilin C'est toute une couche d'art russe en France.
D'ailleurs, je vis ici à Paris depuis plus de vingt ans, mes enfants, ma fille et mon fils sont nés ici, donc c'est aussi devenu ma maison depuis longtemps.
- Vous aviez un projet international portant le merveilleux nom de "Inspired by Russia". Où les expositions ont-elles eu lieu ?
Ce projet a été conçu et réalisé par nos soins afin de réunir des artistes étrangers russophones vivant au Canada, aux États-Unis, en France, en Finlande et en Russie. Le projet a été soutenu par Rossotrudnichestvo, et des expositions ont été organisées à l'ambassade de Russie à Washington DC, à la Maison Pouchkine à Londres, au Centre russe pour la science et la culture à Paris et à la Maison Soljenitsyne des Russes de l'étranger à Moscou.
Notre groupe de huit artistes a voulu rappeler aux compatriotes russes et aux spectateurs étrangers que la Russie continue de nous inspirer et de nourrir notre créativité. Bien que chacun d'entre nous se soit développé en tant qu'artiste dans un nouveau pays, nos racines sont toujours en Russie.
PHOTO©: Vladimir Popov-Massiaguine